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近日，由中国美术学院工业设计学院生活美学研究所策划的“中华美学源流——良渚文化与当代造物展”在2026米兰设计周主展会一经亮相，便产生了良好的传播影响，荣获2026米兰中国设计中心与米兰设计周中国周联合颁发的“最佳主题展览奖”。21位来自中国与韩国的设计师与艺术家以30余件作品，在国际设计语境中展现出良渚文明与当代造物的深层对话。

展览以五千年良渚为源，从稻作、水利与礼制所构成的早期城市人文展开思索，尝试在当代语境中重新溯源并体悟中华美学。在良渚文明中，器物不仅是功能性的存在，更是连接自然、社会与信仰的重要媒介，“美”也并非单纯的形式表达，而是在生活与秩序中自然形成。

在当代技术快速发展的背景下，人工智能、数字建模、3D打印与新材料不断改变着造物方式，也在一定程度上改变着人与物的关系。基于这样的现实，展览提出一个问题：在技术不断进步的今天，设计是否仍能回应人的感知，并重新建立人与世界的联系？

策展人、中国美术学院教授章俊杰这样描述展览的出发点：“我们这代创作者面对的是技术爆炸的时代：AI生成、3D打印、生物材料……工具越来越强，但人跟物之间的感知联结日渐工具化。当回望石器时代，良渚人做玉器，不是为了炫技，是为了沟通天地、安顿人心。所以这次展览的思考正是如此，不是去博物馆里致敬传统，而是以良渚作为文化的原乡，启迪一批艺术和设计创作。技术可以无限发展，但方向应该由人的感知、自然的节律、文化的记忆来引导。”

围绕这一问题，展出作品探索了可持续材料、生物设计、金工、玻璃、数字手工艺与3D打印等多个方向。创作者并未停留在对传统形式的借用，而是从良渚文化中提取更深层的造物观念，在当代设计中进行转化与实践。

竹被良渚先民做成竹筏后，成为重要的水利运输工具。中国人用竹有数千年历史。侯正光的设计作品以竹为日用的界面，并不是仅仅从人的角度思考“竹之用”，而是遵循“竹之性”，与良渚先民用竹制器时的朴素智慧遥相呼应。

杨明洁设计的“算法自然”系列沙发探索算法美学在家具中的应用。不同于农业与工业时代的在地性与标准化特征，数字时代的参数化设计与柔性制造催生出新的形态语言。设计师将参数结构引入软体家具，使沙发体块由算法立体切分生成，呈现自由且复杂的有机形态。

展览中最具材料探索性的作品要数章俊杰团队创作的“菌生FUNGROWTH”——一把以菌丝体为材料“培养”而成的座椅。

“我们的设计理念不是制造一把椅子，而是培养一把椅子。菌丝在农业废弃物中自己生长、自己填充、自己黏结，我们只是提供环境和引导。”章俊杰介绍，该作品采用骨架、肌肉、脂肪、表皮四层结构，完成后可100%降解回归自然。这背后指向的，是良渚“与自然合作”的造物逻辑——良渚人建水利系统，不是挡水，而是调水；驯化水稻，不是征服自然，而是双向适应。五千年后，菌丝体座椅以另一种方式延续了这个思路。

设计师王克震的“米器”，将数以千计的银质米粒手工锻打、熔接成碗。它致敬的是稻谷所代表的、支撑文明存续的最基本单元。银赋予了稻谷一种跨界触感，升华为稻作文明的纪念。艺术家赵瑾雅的“一段被保留的时间”以良渚玉琮“内圆外方”为结构语汇，通过玻璃与光的关系构建感知场域。策展人说：“她做的不是一个漂亮的器形，而是玻璃与光、色彩、观看者触觉感知的关系。东方造物观的底层基因是关系优先，这在她的作品里看得很清楚。”

韩国艺术家、首尔国立大学教授闵复基的三件作品具有跨文化研究深度。闵复基长期研究东亚新石器时代造型传统，他发现良渚、红山与朝鲜半岛栉文文化之间，存在一个跨区域的造型共鸣网络——良渚玉玦、红山玉器与新罗金冠中反复出现同一个C形曲线原型。“良渚不只属于中国，它是整个东亚共同的造型基因。”艺术家以CNC精密加工完成玉璧的当代金属转译，再以手工石磨逐一打磨——数字制造与古法手工并置，直接回应展览的核心追问。

此外，许刚的“有机编辑”以茶渣、橘皮、废弃贝壳粉开发3D打印生物材料，将良渚纹饰通过算法转译为可变参数图形系统；王冠云团队的“可编程的钩织作品”将传统钩针工艺与热熔薄膜结合，以数字路径生成手工织造的三维形态。在章俊杰看来，“技术没有取代手，而是扩展了手的可能”。

展厅中，这些跨越竹、银、漆、玻璃、菌丝体、生物材料与算法的作品，向世界发出来自中国设计的对话邀请。作为一次面向国际语境的学院实践，展览不仅展示了中国文化在当代设计中的创造性转化与当代诠释，也以良渚文明五千年的时间跨度，向当代造物提出方向性的追问。而中国美术学院工业设计学院与杭州良渚遗址管理区管理委员会的合作，使文化资源得以转化为更具当代表达力的设计语言，也为文化遗产活化利用提供了可参考的路径（资料来源：《中国文化报》）。